Zurück ins Rampenlicht

Riggan ist ein gealterter Schauspieler, der unbedingt zeigen möchte, was in ihm steckt. Dass er mehr ist als der ‚Birdman‘, für den er auch Jahrzehnte nach Erscheinen des Films noch gefeiert wird. Dafür setzt er alles auf eine Karte – seine Ersparnisse, seinen Ruf, seine Familie und sogar sein Verstand scheint auf dem Spiel zu stehen. Denn während Riggan an seiner Performance arbeitet, flüstert ihm eine verräterische Stimme unablässig ins Ohr: Du kannst jederzeit zum Film zurück. Das ist es, was die Menschen lieben. Du kannst wieder der Größte sein.

Doch – auch welchen Gründen auch immer – Riggan möchte es am Broadway schaffen. Nicht zurück zum Film, echte Kunst muss es sein. Dank eines Unfalls auf der Bühne, der seinen unfähigen Sparring-Partner aus dem Ring befördert, kommt mit Mike ein Theater-Schauspieler auf dem Weg zum Broadway-Olymp in die Company. Und macht sich gleich daran das fragile Gebäude aus Hoffnung und Fantasie, in dem sich Riggan befindet, zum Einsturz zu bringen.

Keaton, Norton und Stone sind das Herz von Birdman

Wie biografisch Birdman wirklich ist, darüber darf spekuliert werden. Dass es zwischen dem Ex-Batman-Darsteller Michael Keaton und dem Ex-Birdman-Darsteller Riggan Ähnlichkeiten gibt, steht dabei völlig außer Frage. Das lässt Keatons hervorragendes Spiel besonders realistisch wirken. Übertrumpft wird er dabei von Edward Norton in der Rolle des Mike. Norton – der auch im realen Leben für sein Method Acting bekannt ist – verleiht dem Charakter des erfolgshungrigen Künstlertypen, der nicht recht zwischen Bühne und Leben unterscheiden kann, Leben und Tiefgang und ist völlig zu Recht für den Oscar als bester Nebendarsteller nominiert. Ebenfalls nominiert ist Emma Stone, die ihre spärlich bemessenen Auftritte gut zu nutzen weiß, aber letztlich neben Keaton und Norton untergeht. Eine überraschend stabile schauspielerische Leistung liefert Zach Galifianakis als Riggans Manager ab.

Die verräterische Stimme des „Birdman“ in Riggans Ohr (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

Jede Menge Theater

Neben einem guten Soundtrack beeindruckt der Film vor allem mit der Schnitttechnik. Über 119 Minuten gibt es nicht einen sichtbaren Cut, alle Schnitte sind digital so versteckt worden, dass man sie praktisch nicht wahrnehmen kann. Das verleiht dem Film einen seltsamen Fluss, einen fast traumartigen Charakter, bei dem alle Szenen und Räume nahtlos ineinanderfließen. Dass der Film tatsächlich an ganz unterschiedlichen Sets gedreht wurde, ist kaum mehr wahrnehmbar. Doch die relative Geschlossenheit des Raums ist nicht das Einzige, was Birdman von Theater übernommen hat. Der Handlungszeitraum bleibt sehr überschaubar und es gibt vergleichsweise selten das typische Frage-Antwort-Spiel, stattdessen haben die Schauspieler häufig längere Monologe. Insgesamt wirkt Birdman wie eine filmgewordene Theaterinszenierung – über eine Theaterinszenierung.

Riggan und Mike geraten im Verlauf des Films immer mehr aneinander (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

Keatons Biografie, ein Film-Theater über ein Broadway-Theater, der Wettstreit zwischen Kino und Bühne – Birdman ist zutiefst selbstreflexiv. So sehr, dass man es irgendwann leid wird. Eine Story, die über sich selbst hinausweist, ist nur bruchstückhaft und mit viel Liebe zu erkennen. Was für sich genommen nicht weiter schlimm ist, bei einer Laufzeit von zwei Stunden und so vielen visuellen Effekten, die den Zuschauer förmlich anschreien: „Du sitzt gerade im Kino!“, strapaziert es irgendwann die Nerven.

Drei Oscars in Reichweite

Für den Best-Picture-Award reicht es dementsprechend vermutlich (und fast möchte man sagen: hoffentlich) nicht. Gute Chancen auf den Oscar für den Besten Hauptdarsteller darf sich Michael Keaton zwar machen, aber die Konkurrenz ist nicht ohne. Kaum nachvollziehbar ist die Entscheidung, Antonio Sánchez nicht für seine Musik zu nominieren, die wesentlichen Einfluss auf den Charakter des Films hat. Glücklicherweise nominiert und mit ganz guten Karten steht Edward Norton da – wenn Boyhood nicht gerade zum Abräumer des Abends wird, sollte der Oscar für den Besten Nebendarsteller drin sein. Seine Leistung, der experimentelle Charakter des Films und natürlich nicht zuletzt das Comeback von Michael Keaton machen den Film sehenswert – einmal sehen reicht aber vermutlich den meisten.

Irgendwann verschwimmt die Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

The Imitation Game erzählt die Geschichte des ebenso genialen wie sozial inkompetenten Mathe-Professors Alan Turing, der während des 2. Weltkriegs einen der ersten Computer entwirft, um die als unknackbar geltende Verschlüsselungsmaschine ENIGMA der Nazis entschlüsseln zu können. In einer Zeit, in der die Geheimdienste der Welt entweder bereits alle Kommunikation abhören oder es zumindest gerne wollen also ein durchaus aktuelles Thema. Doch dankenswerterweise haben die Drehbuchautoren darauf verzichtet, diesen Spin aufzugreifen und liefern stattdessen ein beeindruckendes Biopic mit historischem Kontext ab, in dessen Mittelpunkt nicht der Mathematiker und Kryptograf, sondern der Mensch Turing steht.

Auf den Spuren Alan Turings

So spielt sich die Haupthandlung des Films zwar im Bletchley Park ab, in dem Turing mit einem Team von Mathematikern und Linguisten versucht, den ENIGMA-Code zu brechen, dieser Plot wird allerdings immer wieder durch Flashbacks und Flashforwards zum deutlich jüngeren bzw. etwas älteren Turing unterbrochen. Regisseur Morten Tyldum und Editor William Goldenberg (beide Oscar-nominiert) weben diese Zeitsprünge aber gekonnt in die Handlung ein, so dass während Turing beginnt, der Nazi-Verschlüsselung Schritt für Schritt auf die Spuren zu kommen, der Zuschauer den Filmhelden Stück für Stück besser kennen und verstehen lernt.

Alan Turing (Benedict Cumberbatch) hadert mit sozialen Beziehungen (Copyright: The Weinstein Company)

Der schwule Turing hadert nicht nur mit der Teufelsmaschine der Nazis, sondern auch mit der eigenen Identität. In einer Zeit, in der Homosexualität in Großbritannien unter Strafe steht, versucht der ohnehin von der Welt sozialer Beziehungen überforderte Protagonist, seinen eigenen Weg zu finden. Zur Seite steht ihm dabei in der Realität wie im Film die Kryptografin Joan Clarke (Keira Knightley), die ebenfalls an der Entschlüsselung der ENIGMA-Maschine arbeitet, doch unter dem immer größer werdenden Berg an Geheimnissen droht der so schon eher fragile Turing zu zerbrechen.

Grautöne statt Schwarz und Weiß

Durch die Betrachtung über die rein mathematisch-logische Arbeit Turings hinaus vermeidet der Film das typische schwarz-weiß-Modell von Kriegsfilmen und zeigt stattdessen viele Grautöne, die letztlich auch den Reiz an The Imitation Game ausmachen. Die wirklich wichtigen Fragen des Films stellen sich dementsprechend auf der Meta-Ebene, und es sind Fragen über die menschliche Natur, über den Umgang mit dem Andersartigen und über die Freiheit, sein Leben selbstbestimmt leben zu können.

Keira Knightley sieht neben Benedict Cumberbatch eher blass aus (Copyright: The Weinstein Company)

Cumberbatch beeindruckt, Knightley weniger

Benedict Cumberbatch brilliert dabei in der Rolle des Alan Turing. So logisch seine Besetzung nach den Rollen als Quasi-Asperger-Sherlock-Holmes und des hyperintelligenten Khan aus Star Trek erscheint, so groß war auch die Gefahr, eine reine Wiederholung bereits Bekannten zu schaffen. Doch Cumberbatch überrascht mit einer großartigen Leistung, bei der er nicht in alte Muster zurückfällt, sondern sowohl dem Mathematiker Turing als auch dem Menschen eine eigene Note verleiht, die ihn trotz oder gerade wegen seiner Andersartigkeit als Identifikationsfigur für den Zuschauer prädestiniert. Anders verhält es sich leider bei Keira Knightley, die als Freundin und Mitarbeiterin des Genies eher eine durchschnittliche Leistung abliefert und in ihrer ewigen Rolle als das liebe (und schöne) Mädchen von nebenan verhaftet bleibt. Die zahlreichen Nebenrollen sind gut besetzt, bleiben aber eher flach – was aber weniger den Schauspielern als der Fokussierung auf Turing und Clarke geschuldet ist.

Teils gut besetzte Nebenrollen (hier Mark Strong als MI6-Chef) bleiben eher flach (Copyright: The Weinstein Company)

Mit dem Oscar wird es schwierig

Mit The Imitation Game ist dem norwegischen Regisseur Morten Tyldum (zuvor allenfalls durch Jo Nesbø’s Headhunters bekannt) ein großer Wurf gelungen, der zu Recht für den Oscar nominiert wurde. Auch Benedict Cumberbatch hätte die Auszeichnung verdient, hat aber mit Michael Keaton in der Oscar-Logik, die gerne Filme über das Showbiz und verdiente Schauspieler belohnt, und mit dem sympathischen Eddie Redmayne aus Die Entdeckung der Unendlichkeit starke Konkurrenz. Gute Chance dagegen kann sich Alexandre Desplat ausrechnen, der sowohl für seinen Soundtrack zu The Imitation Game als auch für Grand Budapest Hotel nominiert wurde. Unabhängig von der Entscheidung der Academy ist The Imitation Game aber ein sehr sehenswerter Film – wer es noch nicht getan hat, sollte das also unbedingt nachholen!

Dank Benedict Cumberbatch und einem guten Team hinter der Kamera lohnt sich der Film (Copyright: The Weinstein Company)

Der hochintelligente Stephen studiert an der Universität Cambridge, wo er auch eines Abends auf einer Party die Literaturstudentin Jane kennenlernt. Beide verlieben sich ineinander, doch das Glück ist nur von kurzer Dauer. Nachdem der junge Wissenschaftler plötzlich im Hof des Universitätsgebäudes zusammenbricht, wird dem 21-jährigen Stephen wird die Motoneuron-Krankheit diagnostiziert, die ihm die völlige Kontrolle über seine Muskelbewegungen nimmt. Nach Einschätzung der Ärzte hat er nur noch zwei Jahre zu leben. Trotz dieser Diagnose steht ihm Jane zur Seite. Beide heiraten und bekommen drei Kinder. Stephen arbeitet als Astrophysiker weiter an der Erforschung schwarzer Löcher und begeistert mit seinen bahnbrechenden Theorien die Welt der Wissenschaft.

Ein ungleiches Paar

Im Zentrum der Geschichte stehen jedoch nicht Stephen Hawkings wissenschaftliche Leistungen, sondern die Liebesgeschichte zwischen ihm und seiner ersten Frau Jane. Der Film zeichnet in diesem Rahmen das Porträt einer Ehe, die den beschwerlichen Umständen der lebensbedrohlichen Krankheit zumindest für eine gewisse Zeit standhält. Dabei sind die physikalischen Fakten von Stephens Arbeit so portioniert und aufbereitet in die Erzählung eingebunden, dass der Durchschnittszuschauer der Handlung problemlos folgen kann. Es ist eine „Physik der Liebe“(wie es in einer Szene zu Beginn des Filmes heißt), die dem Rezipienten kineastisch nahegebracht wird. Die Geschichte basiert dabei auf dem Werk Die Liebe hat elf Dimensionen: Mein Leben mit Stephen Hawking von der wahren Jane selbst. Sie und Stephen verhalten sich dabei wie zwei Elektronen, die sich jeder physikalischen Regel widersetzten und sich auf wundersame Weise gegenseitig anziehen. Unterschiedlicher könnten beide nicht sein: Er Naturwissenschaftler und überzeugter Atheist, sie eine gläubige, romantisch veranlagte Literaturwissenschaftlerin, die sich in die goldenen Zwanziger zurückwünscht und sich mit der Kunst Turners und Blakes auseinandersetzt. Was beide vereint, ist der Wunsch nach einer „Zeitreise“ ins literarische Mittelalter auf der einen Seite, zum Beginn des Universums auf der anderen Seite.

The Theory of Everything (Copyright: Focus Features)

Ein Wettlauf gegen die Zeit

Mit dem Bekanntwerden Stephens Krankheit wird die Zeit zu einem Leitmotiv des Films. Hawking möchte die zwei Jahre, die ihm nach Meinung der Ärzte noch bleiben, nutzen, um seine Forschung fortzuführen und der Welt in diesem Sinne zu dienen. Er arbeitet gegen die ablaufende Zeit, die zugleich zum Thema seiner Dissertation wird. In seinem später veröffentlichen Werk Eine kurze Geschichte der Zeit bereitet er seine gewonnenen Erkenntnisse über die Untersuchung des Urknalls und die Eigenschaften von schwarzen Löchern populärwissenschaftlich auf und macht sie somit einer breiten Öffentlichkeit zugänglich. Das Leben, so endlich es auch ist, scheint gerade im Fall des kranken Stephen Hawkings ein Quantum unendlich zu sein. Die Lebenserwartung von zwei Jahren hat bereits die Fünfzigjahresmarke überschritten und Hawking wirkt heute immer noch in der Forschung als Kosmologe.

The Theory of Everything (Copyright: Focus Features)

Auch eine immer wiederkehrende Kreissymbolik zieht sich als Leitmotiv durch den Film. Der Kreis als unendliche Linie ist eine Metapher für die Unendlichkeit, ohne Anfang, ohne Ende – wie das Weltall selbst – wie es Hawking am Ende des Films feststellen wird. Das schwarze Loch als Kreis taucht auf der Tafel des Mathematikers Penrose ebenso auf wie in Hawkings Kaffee oder in der Form des Universitätstreppenhauses.

Hauptdarsteller mit Oscar-Ambitionen

Im Film verausgabt sich Jane an der Seite ihres kranken Mannes bis zur Erschöpfung in ihrer Rolle als Pflegerin, Ehefrau und Mutter, sodass die Ehe der beiden trotz aller Bemühungen letztendlich scheitert. Hervorzuheben ist dabei die schauspielerische Leistung von Felicity Jones (bekannt aus Filmen wie Like Crazy, ein übrigens hervorragendes Werk von Drake Doremus), die eine überzeugende Darstellung einer selbstbewussten und treuen Ehefrau über eine Zeitspanne von 25 Jahren souverän abliefert. Jones schafft es, die verschiedenen Facetten der unter Stephens Krankheit leidenden Jane zu verkörpern. Und auch Eddie Redmayne (bekannt aus Les Misérables) in der Rolle Stephen Hawkings ist nicht zu verachten. Am Ende des Filmes nicht mehr fähig zu sprechen, genügt die kleinste Mimik auf dem Gesicht des Schauspielers, um das ganze Spektrum der Gefühle seiner Rolle auszudrücken und dem Sprachcomputer, mit dem er sich verständigt, Leben einzuhauchen. Ein definitiv heißer Anwärter auf eine Oscarnominierung – auch aus dem Grund, weil die Jury der Darstellung dramatischer Schicksale, die noch dazu auf einer wahren Begebenheit beruhen, ihrem Schema der letzten Jahre getreu eine goldene Trophäe verleihen muss.

The Theory of Everything (Copyright: Focus Features)

Gestalterischer Durchschnitt

Gestalterisch ist der Film dagegen kein außergewöhnliches Meisterwerk. Die Aufnahmen sind in einem Sepiaton gehalten und zeitweise mit Handkameraaufnahmen gespickt, um das Verstreichen der Zeit und den Aspekt der Authentizität einer Erzählung nach einer wahren Begebenheit zu untermalen. Die warme Farbgestaltung und die Kamerakranaufnahmen entsprechen den typischen Merkmalen eines romantischen Films und sind ganz nett, aber nichts Besonderes. Nichts, was man nicht schon gesehen hätte. In diesem Zusammenhang erinnern auch die Aufbereitung der Story und die Aufnahmen des Sternenhimmels an den Film A Beautiful Mind, der sich mit dem Schicksal des an Schizophrenie erkrankten Mathematikers John Nash auseinandersetzt.

Zwei weitere Schwachpunkte des Films sind die für meinen Geschmack zu überzogene Stereotypisierung von Naturwissenschaftlern, die auch in diesem Film jedem Klischee entsprechen, und das zu rasche Erzähltempo zu Beginn der Geschichte. Jane und Stephen scheinen sich kaum zu kennen, als Jane beschließt, ihn trotz oder gerade weil seiner Krankheit zu heiraten – ganz den Idealen der Romantik einer bedingungslosen Liebe entsprechend. Das ist dann doch – gerade aufgrund der Bezeichnung „Auf einer wahren Begebenheit“ – ein bisschen zu kitschig.

The Theory of Everything (Copyright: Focus Features)

Hawking wird die Antwort auf die Weltformel nicht finden. Vielleicht ist es die alles erklärende Liebe, die die Lösung bietet und die im Moment als Deus ex machina – wie damals schon in Faust – durch zahlreiche Filme unserer Zeit geistert. Werfen wir nur einen kleinen Seitenblick zu den Filmemacherkollegen, schon werden wir bei den Nolanbrothers und ihrem neuesten Opus magnum fündig: unerklärliche Phänomene + Weltall + Raum + Zeit + schwarzes Loch = Liebe. Dies scheint zumindest die kineastische Lösung der Weltgleichung zu sein.

Wer sich nun also überlegt, ins Kino zu gehen, um sich das Ganze einmal anzuschauen, sollte sich auf ein berührendes Liebesdrama einstellen und eventuell Taschentücher bereithalten.

Meine Wertung: 8 und nicht nur, weil diese in liegender Form Unendlichkeit symbolisiert.

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