Für mich ist das Jahr 2001 allerdings mit einer weiteren, viel subjektiveren Zäsur verbunden: Das Release von Herr der Ringe. Am 19. Dezember 2001 kam der erste Teil von Peter Jacksons Meisterwerk in die deutschen Kinos und danach war für mich cineastisch nichts mehr wie vorher. Mit The Fellowship of the Ring setzte Peter Jackson neue Maßstäbe. Ich habe den Film sechs Mal im Kino gesehen. Erst mit meinen Eltern, dann mit meinen Freunden, dann mit anderen Freunden und als keiner mehr mitgehen wollte noch zwei weitere Male alleine bevor der letzte Teil erschien und man sich alle nacheinander noch einmal ansehen konnte. Im ersten Teil von Herr der Ringe wurde für mich deutlich, was Kino alles kann – und er hat sicherlich meine Entscheidung, Medienwissenschaft zu studieren stark beeinflusst (viel stärker jedenfalls als König der Löwen, den wir bei der Hälfte abbrechen mussten, weil mein Bruder und ich zu viel Angst vor den Hyänen hatten – aber das nur am Rande). Für mich gibt es Kino vor Herr der Ringe und Kino danach.

Die archaische Welt von Mad Max: Mit viel Liebe zum Detail gestaltet (Copyright: Warner Bros.)

Mad Max überrollt alles was vorher war

Kurz gesagt: Mad Max Fury Road ist der erste Film seit 2001, der einen ähnlichen Effekt haben könnte. Nicht auf mich – meine Leidenschaft für das Kino weiter anfachen zu wollen ist ungefähr so sinnvoll, wie einen zusätzlichen Eimer Wasser in den Atlantik zu kippen – aber auf alle, die ihre ersten Kinoerfahrungen mit diesem Film machen. Natürlich ist das alles sehr subjektiv, und es gab in der Zwischenzeit durchaus viele großartige Filme (Black Swan, No Country for Old Men, The Grand Budapest Hotel – um nur ein paar Beispiele zu nennen) aber pardon my french: Drauf geschissen. Denn Mad Max ist nicht einfach nur ein guter Film, sondern ein Film, der die Möglichkeiten des modernen Kinos einfach bis zum Anschlag ausreizt. Oder, wie es die Süddeutsche nicht ganz unzutreffend schreibt: „Dieser Höllenkonvoi, einmal in Bewegung gesetzt, würde auch die alten „Mad Max“-Filme, einst das Maximum an filmischer Motorleistung, einfach unter den Rädern zermalmen.“

Der Inhalt von Mad Max passt dabei auf einen Bierdeckel: Max (Tom Hardy) gerät in die Gefangenschaft eines wilden Kriegerstammes, dessen durchgedrehter Warlord Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne) über Zugang zu der wichtigsten Ressource der post-apokalyptischen Welt verfügt: Wasser. Als die Imperatorin Furiosa (Charlize Theron) einen Fluchtversuch unternimmt, kann auch Max seine Fesseln abwerfen und während der wilden Verfolgungsjagd durch die scheinbar endlose Wüste verbinden sich die Schicksale der beiden Hauptcharaktere. Sieht man von Max‘ Wahnvorstellungen einmal ab (die ohnehin keine hohe praktische Relevanz besitzen), war das eigentlich der Inhalt und der Film kann losgehen.

Die Schicksalsgemeinschaft von Mad Max (Copyright: Warner Bros.)

Keine Atempause

Und wie der Film losgeht: Max’ wird kurz und schmerzlos gefangen genommen, bevor man ihn überhaupt richtig erkannt hat und unternimmt einen Fluchtversuch durch die unterirdischen Höhlengänge von Immortan Joes Zitadelle, der Indiana Jones blass aussehen lässt, bevor auch nur der Vorspann beginnt. Doch während bei Indiana Jones zwar ebenfalls Stoff für einen eigenen Film schon in den ersten Minuten verballert wurde, baute Steven Spielberg danach seinen Film recht klassisch mit in die Handlung eingewobenen Action-Sequenzen auf. George Miller hingegen dreht den Spieß einfach herum: Handlungs-Sequenzen werden in die Action eingewoben wo gerade ein wenig Platz dafür ist. Damit ist die Pre-Credit-Sequenz ein Sinnbild für den gesamten Film: Ohne Pause hetzt Max durch eine wahnsinnig gewordene Welt, seinen Verfolgern immer nur eine Nasenlänge voraus und trotz schier übermenschlicher Kräfte permanent am Rande des Zusammenbruchs.

Während des aberwitzigen Höllenritts gibt es gönnt George Miller weder Max noch dem Zuschauer Verschnaufpausen, immer schneller, immer brutaler wird Max durch die Wüste gehetzt und selbst aus der sicheren Entfernung der Kinosessel hat man das Gefühl, dem Erschöpfungstod immer näher zu kommen. Unterbrochen wird die Handlung allenfalls durch lange Blenden, die ganz im Stil der 80er den Übergang eines Sinnabschnitts zum nächsten markieren, bevor wie Bluthunde die Verfolger wieder am Horizont erscheinen und der Treck sich wieder aufraffen muss, um die Nasenlänge Vorsprung zu bewahren.

Gefangen im Wahnsinn (Copyright: Warner Bros.)

Alles echt

So hat Mad Max vom Aufbau her mehr mit The Hobbit gemeinsam, bei dem die Gruppe um Bilbo Beutlin ebenfalls immer nur eine Nasenlänge Vorsprung zu den zahlreichen Verfolgern hat, als mit Herr der Ringe, der seine Kraft nicht zuletzt durch die ruhigen Szenen schöpft. Dankenswerterweise wiederholt George Miller dabei allerdings nicht den Fehler von Peter Jackson, massiv auf Special Effects zu setzen. Nicht zuletzt aus finanziellen Gründen ist der Film größtenteils „echt“, das heißt durch praktische Effekte entstanden. Der Unterschied ist spürbar. Trotz der abstrusen Handlung wirkt der Film realistisch und das Abgehackte und Archaische der Mad Max-Dystopie tritt besser zutage als es mit flüssigen Animationen möglich gewesen wäre. Tatsächlich unterstreicht Miller die Schroffheit seiner Welt noch einmal zusätzlich, indem er einzelne Szenen bewusst zu schnell abspielt, wodurch die Bewegungen der Darsteller ruckartig wirken – eigentlich ein klassisches Mittel des Slapstick, aber mit dem Effekt, dass der Film sich stärker an die Comic-Vorlage von Designer Brendan McCarthy annähert ohne dabei gestellt zu wirken. Dass man die ungeheure Geschwindigkeit von Mad Max dabei überhaupt noch aushält, liegt nicht zuletzt daran, dass sich die Schnitte zwischen den einzelnen Einstellungen in Grenzen halten, so dass der Zuschauer trotz tausend parallel ablaufender Einzelaktionen nie den Überblick verliert.

Mit voller Wucht getroffen

Natürlich gibt es auch einiges zu kritisieren. Natürlich ist die Story mit dem Adjektiv „dünn“ fast noch überbewertet. Natürlich gibt es selbst in der FSK-16-Version jede Menge Gewalt und Brutalität, die vielleicht nicht immer notwendig gewesen wäre. Natürlich ist das Frauenbild trotz einer Vielzahl handlungstragender weiblicher Darsteller nun einmal auf Actionfilmniveau (auch wenn das nicht alle so sehen). Doch das alles ist nicht überraschend. Überraschend ist hingegen die Wucht, die der Film entfaltet. Wie die martialischen Kampfgefährte der Wüstenclans überrollt der Film seine Zuschauer einfach mit Eindrücken, so dass man am Ende einfach stumm im Kinosessel sitzt und sich fragt, wovon man denn da gerade getroffen wurde.

Ist das jetzt Feminismus? (Copyright: Warner Bros.)

Achtung: Dieser Artikel kann kleinere Spoiler enthalten. Und sagt nachher nicht, wir hätten nix gesagt!

Selbsterkenntnis steht im Zentrum von Ex Machina (Copyright: Universal Pictures)

Eine unvollständige Geschichte der Computerintelligenz im Kino

Seit dem Aufkommen von Computern hat sich zu den klassischen Kriegsfilmen, in denen Menschen gegen Menschen kämpfen, ein weiteres Genre gebildet: Filme, in denen Menschen gegen mehr oder weniger intelligente Maschinen kämpfen. Von (und damit wären wir schon beim dritten Kubrick-Film) 2001: A Space Odyssey über The Terminator bis hin zu The Matrix oder I, Robot – um nur ein paar Filme aus einer langen Liste zu nennen. Anfangs fokussierte sich die Betrachtung recht einseitig auf das Zusammenleben von Mensch und Maschine, soll heißen: Wie kann eine Maschine dem Menschen gefährlich werden? In Space Odysee reißt HAL die Kontrolle über ein Raumschiff an sich, in Matrix führen Menschen und Maschinen gleich richtig Krieg und in I, Robot ist Will Smith wundersamerweise der einzige, der die Gefahr Künstlicher Intelligenz richtig einschätzt, bevor er anfängt, sie mit allem was gerade zur Verfügung steht niederzumetzeln. Lediglich in Terminator, dem eigentlich simpelsten Film aus der Liste, gibt es zusätzlich noch die Komponente der Zusammenarbeit zwischen Mensch und Maschine.

Ein neues Subgenre

In den letzten Jahren hat sich der Blickwinkel auf die Interaktion zwischen Menschen und Robotern noch einmal verschoben. Unter dem Schlagwort Künstliche Intelligenz rückt die Frage nach dem Bewusstsein von Maschinen in den Mittelpunkt. Zum Anfang des neuen Jahrtausends ließ Steven Spielberg eine Künstliche Intelligenz gleich die Hauptrolle in seinem Film Artificial Intelligence: AI übernehmen. Vor zwei Jahren flirtete in Spike Jonzes Her Joaquin Phoenix mit einem intelligenten Betriebssystem, das als das erste mit einem eigenen Bewusstsein beworben wurde. Letztes Jahr speiste Johnny Depp in Transcendence um dem eigenen Tod zu entgehen gleich sein komplettes Gedächtnis in eine Künstliche Intelligenz ein – viel enger ist Mensch-Maschine-Kopplung gar nicht denkbar. Vor diesem Hintergrund erscheint Ex Machina fast ein bisschen rückwärtsgewandt – schließlich treffen hier einfach nur „ganz klassisch“ Mensch und Maschine (KI) aufeinander, um miteinander zu reden. Klingt langweilig, ist es aber ganz und gar nicht.

Das erste Aufeinandertreffen (Copyright: Universal Pictures)

Kann das denken?

Mensch ist in diesem Fall Caleb (Domhnall Gleeson), ein Programmierer, der in einer unverhohlen an Google angelehnten Firma den Hauptpreis einer Mitarbeiterlotterie gewinnt: Einen Besuch in der abgeschiedenen Luxus-Villa des Firmengründers und Programmier-Genies Nathan (Oscar Isaac). Vermutlich muss man Programmierer sein, wenn man sich darüber freut, bei seinem Chef eine Woche Urlaub machen zu dürfen. Nach Anreise im Privathubschrauber bittet Nathan seinen Besuch um die Unterzeichnung eines umfassenden Non-Disclosure-Agreements, bevor er ihm den Zweck seines Aufenthalts eröffnet. Heim-Helikopter, Luxus-Villa und Vertragswerk erinnern zwar ein bisschen an die gähnend langweilige Fifty Shades of Grey-Verfilmung, aber glücklicherweise wartet in Nathans Spielzimmer kein SM-Paradies, sondern die Künstliche Intelligenz Ava (Alicia Vikander). Sie soll von Caleb auf Herz und Nieren getestet werden, eröffnet ihm sein Gastgeber, oder genauer: Daraufhin überprüft werden, ob sie ein Bewusstsein hat.

Was geht in diesem Kopf vor? (Copyright: Universal Pictures)

… oder kann das weg?

Als Prüfmodus hat sich Nathan dabei einen Turing-Test 2.0 überlegt: Während normalerweise die Probanden des Turing-Tests voreinander verborgen bleiben und der Test als bestanden gilt, wenn es dem menschlichen Teilnehmer nicht auffällt, dass er gerade mit einer Maschine spricht (oder schreibt), weiß Caleb ja bereits, dass Ava eine Maschine ist. So erhält er von seinem Chef den Auftrag, im Wissen darum, dass er mit einem Roboter spricht der Frage nach Bewusstsein nachzugehen. Während der Sitzungen zwischen Caleb und Ava wird dabei schnell klar, dass die KI den Standard-Turing-Test problemlos bestehen würde. Für den jungen Programmierer ist Ava ein mehr als ebenbürtiger Gesprächspartner und nach und nach schleichen sich Zweifel ein, wer denn da gerade wen testet. Unabhängig davon entwickeln die beiden Gefühle füreinander und Ava vertraut ihrem neuen Freund an: Sie will aus der Villa-Schägstrich-Forschungseinrichtung fliehen – und Caleb soll ihr dabei helfen.

Der junge Programmierer ist hin- und hergerissen. Nicht so sehr aus Loyalität zu seinem im Laufe des Films als immer manischer agierenden Chef, sondern weil er nicht einschätzen kann, ob Avas Gefühle für ihn echt sind – oder ob sie programmiert wurde, ihn zu lieben. Sein Forschungsauftrag, nämlich herauszufinden, ob Ava echtes Bewusstsein besitzt, gewinnt für ihn so eine persönliche Dimension. Und wenn Ava tatsächlich ein Bewusstsein besitzt, manipuliert sie ihn vielleicht nur, damit sie nicht am Ende des Experiments von Nathan nicht abgeschaltet wird?

Die Luxus-Villa entpuppt sich als High-Security-Forschungseinrichtung (Copyright: Universal Pictures)

Maschine im Mimikry-Modus

„Was ist eigentlich Bewusstsein?“ wird zur beherrschenden Frage des Films, die durch unterschiedliche Allegorien immer wieder aufbereitet wird. Ava spricht wie ein Mensch, agiert wie ein Mensch, sie sieht sogar aus wie ein Mensch – aber denkt sie auch wie einer? Und was bedeutet das eigentlich, wie ein Mensch zu denken? Ist das für eine Maschine überhaupt das Ziel – oder zeichnet sich eine KI vielleicht gerade dadurch aus, dass sie eben nicht denkt wie ein Mensch?

Begrenzt geistreiches Debüt

Mit Ex Machina legt Alex Garland ein recht beeindruckendes Debüt als Filmregisseur ab, nicht zuletzt, weil das Budget mit 11 Mio. Dollar eher überschaubar war. Mit einem Spielort irgendwo in den Bergen ist der Film ein klassisches Geschlossener-Raum-Stück, der Zuschauer kann sich ganz auf die handelnden Akteure konzentrieren, die ihre Sache allesamt gut machen. An manchen Stellen ist der Film ein bisschen zu vorhersehbar für echte Suspense-Momente, gleicht das aber mit gelegentlichen Überraschungen, vor allem aber durch die übergeordnete Fragestellung wieder aus.

Dennoch handelt es sich letztlich um Recycling alter Ideen, lediglich die Fokussierung auf Ava als humanoider Gegenpart eines echten Menschen mit Motiven, die bis zum Schluss offen bleiben, setzt einen eigenen Akzent. Aber besser gut abgekupfert als schlecht neu gemacht: Auch wenn Ex Machina nicht gerade filmische Maßstäbe setzt, ist der Film technisch und strukturell sehr solide. Gelegentliche Verweise, zum Beispiel auf Wittgenstein, der sich mit Bewusstsein beschäftigt hat oder auf Sergey Brin, einen der Google-Gründer, für den Nathan den Mr. Hyde gibt, kommen leider eher platt daher und stören so den Fluss.

Der Schlüssel zu einer neuen Stufe der Evolution? (Copyright: Universal Pictures)

Mensch vs. Maschine 2.0

Der Bezug zu Google an sich allerdings ist kein Wunder. Wir leben mittlerweile in einer Welt – auch wenn der Vergleich etwas angestaubt ist – in der das Smartphone in der Hosentasche mehr Rechenpower zu bieten hat als die Computer, die einen Menschen auf den Mond gebracht haben. Für nicht einmal 10 Dollar kann man Computer im Chipkartenformat erwerben. Diese Leistungssteigerung bei gleichzeitigem Preisverfall, bekannt geworden als Moore’s Law, lässt die Entwicklung einer „echten“ Künstlichen Intelligenz in greifbarer Nähe erscheinen. Im Rahmen eines Films wird diese Entwicklung notwendigerweise vereinfacht dargestellt. Aber wenn man das Kino als Spiegel der Gesellschaft begreift, zeigt sich allein in der beeindruckenden Zahl der Filme, die sich mit dem Thema befassen, wie sehr das Thema Menschen beschäftigt.

Ex Machina verlagert den Kampf zwischen Mensch und Maschine auf ein geistiges Niveau. Auch wenn das kein komplett neuer Ansatz ist, bietet der Film mit der Frage „Was gibt es eigentlich, das einen intelligenten Menschen von einer intelligenten Maschine unterscheidet?“ einen Beitrag zur Diskussion.

Tom James im tris magazin (Screenshot: tris magazin)

„Es gibt Labels, die einfach sind – und welche, die anders sind“

Dabei bemüht sich Dennis, möglichst offen an sein eigenes Magazin und Künstler heranzutreten: „Mir ist Offenheit sehr wichtig. Also nicht nur die großen Bands im Blick zu haben und nicht zu sagen ‚Ich mach jetzt nur Techno oder Metal oder so‘, sondern eben offen zu sein auch für unterschiedliche Stile und unterschiedliche Künstler.“ Mit diesem Prinzip fährt der Gründer, Fotograf, Redakteur und Designer seines Magazins in Personalunion ziemlich gut: Interviews führen durfte er bereits mit den Subways, Torpus & The Art Directors, U.D.O. und auch die Jungs von Kraftklub standen ihm Rede und Antwort. Der Kontakt erfolgt dabei meist über die Labels – was mal besser, mal schlechter funktioniert: „Es gibt Labels, die einfach sind – und welche, die anders sind“, verrät er uns.

Dennis Oertel vom tris magazin (Foto: tris magazin)

Rund 4.000 Leser pro Ausgabe

Bis zu dem Ziel, von dem Magazin irgendwann leben zu können, ist Dennis aber noch ein Stück entfernt. Allerdings ist mit steigender Ausgabenzahl auch die Leserschaft gewachsen – mittlerweile sind es 3.500 bis 4.000 Leser pro Ausgabe, schätzt Dennis, im Festivalsommer sogar bis zu 8.000. Dazu beigetragen haben auch zahlreiche Gewinnspiele auf der Facebook-Seite des Magazins, bei denen auch Labels Preise wie CDs und T-Shirts zur Verfügung gestellt haben. Parallel wuchs auch das Team hinter dem Magazin: Vier weitere Autoren und ein Praktikant sind mittlerweile an der Erstellung des Online-Magazins beteiligt.

Tom James im tris magazin (Screenshot: tris magazin)

Liebe zum Detail

Dennoch ist es natürlich viel Arbeit: „Die Menschen lesen das Magazin und sagen: Oh, das ist aber schön. Wie viel Arbeit dahintersteckt kann allerdings kaum jemand einschätzen. Am Anfang habe ich mich um alles allein gekümmert – Fotos, Layout, Texte.“ Viermal im Jahr erscheint das Magazin, keine schlechte Leistung bei dem hohen Arbeitsaufwand. Das Ergebnis aber lässt sich sehen – nicht zuletzt, weil Dennis als gelernter Grafikdesigner das nötige Rüstzeug dabei hat. Die Begeisterung für das eigene „Baby“ sorgt für den Rest: Aus den einzelnen Ausgaben spricht Liebe zum Detail und viel Spaß an der Arbeit.

Projekt Am Büdche im tris magazin (Screenshot: tris magazin)

Aktuelle Ausgabe lesen

Für die aktuelle Ausgabe hat sich Dennis unter anderem mit Tom James aus England und der Sängerin und Songwriterin Petite Meller getroffen, außerdem führte einer seiner Mitstreiter ein Gespräch mit Alessandro de Luca von Fitches. Aber es geht nicht ausschließlich um Musik. In der zehnten Ausgabe werden auch das Fotoprojekt „Am Büdche“ und das Mannheimer Modelabel „Stork & Fox“ vorgestellt. Klingt interessant? Hier geht es gleich zur aktuellen Ausgabe.

In dem Video Chapter Eight: The Grand Budapest Hotel wagt Matt Zoller Seitz einen filmwissenschaftlichen Blick hinter Wes Andersons letzten Film. Wer The Grand Budapest Hotel noch nicht gesehen hat, sollte sich das Video ein wenig aufheben, da es im Prinzip die gesamte Story des Films verrät – sowie auch einige Spoiler auf Andersons weitere Filme beinhaltet. Wer allerdings Wes Anderson etwas besser kennt, sollte sich Zoller Seitz‘ Besprechung, in der deutlich wird, dass Anderson mit The Grand Budapest Hotel nicht nur cinematografisch sondern auch inhaltlich ein Meisterwerk geschaffen hat, nicht entgehen lassen.

Jonas und Matt Zoller Seitz einen Gefallen tun und jetzt einkaufen

[via: DesignTaxi.com]

A Most Violent Year: Abel und Anna haben das Ziel vor Augen (Copyright: A24)

Reale historische Kulisse

Der Film spielt im New York der beginnenden 80er Jahre, einer Zeit, in der die Kriminalität die Millionenstadt zu überrollen scheint. „There were more murders and rapes in this city last year than there’ve ever been, so if you’ve come to tell me that we’ve got an urgent security issue here – trust me, I’m aware“, so bringt es Staatsanwalt Lawrence (David Oyelowo) auf den Punkt. Er ist damit beauftragt, das Versorgungswesen in New Jersey aufzuräumen und hat sich die Firma des Protagonisten Abel ausgesucht um ein Exempel zu statuieren. Der wiederum bemüht sich nach Kräften, das vom Schwiegervater geerbte Heizöl-Unternehmen in die Legalität zu überführen und gleichzeitig zu expandieren.

Dabei setzt er alles auf eine Karte: Ein strategisch wichtiges Gelände fehlt ihm noch als Baustein auf seinem Weg zu einem Imperium, doch um es zu bekommen, lässt er sich auf einen gefährlichen Deal ein: Mit seinen gesamten Ersparnissen sichert er sich das Vorkaufsrecht, den vollen Kaufpreis muss er innerhalb von 30 Tagen erbringen. Ein waghalsiger Plan, wenn man bedenkt, dass schon im bestehenden Unternehmen längst nicht alles rund läuft. Denn neben den Ermittlungen der Staatsanwaltschaft werden quasi täglich Tanklaster von Abels Firma überfallen und seine Fahrer dabei brutal zusammengeschlagen. Doch Abel weigert sich standhaft, seine Leute mit Waffen auszurüsten, aus Sorge, die Situation könne damit vollends aus dem Ruder laufen.

Kein klassisches Gangsterkino

Klingt alles ein bisschen verworren und kompliziert? Ist es auch. Auch wenn der Plot eigentlich überschaubar ist, richtet sich A most violent Year nicht gerade an Freunde von Simpelkino. Wer ein klassisches Mafiastück mit viel Geballer und scherenschnittartigen Schwarz-Weiß-Zeichnungen erwartet, wird enttäuscht. Abel ist nicht der patriarchalische Don, der seine schützende Hand über die eigene Familie (und damit ist sowohl die offizielle als auch die inoffizielle gemeint) hält und dabei auch vor Gewaltanwendung nicht zurückschreckt. Eher ist das Gegenteil der Fall: Ganz wie sein biblisches Vorbild versucht er, sich an die Spielregeln zu halten und ist dennoch erfolgreich – was Neider auf den Plan ruft. Seine Gegenspieler, der Staatswanwalt, ist sich dessen bewusst, entscheidet sich als Karrierist allerdings dennoch für eine Anklage und lässt Abels Haus – ob absichtlich oder nicht – just in dem Moment durchsuchen, in dem der Geburtstag einer Tochter gefeiert wird. Die klassischen Positionen des Gangsterfilms verkehren sich hier zumindest ein Stück weit.

Muss von sich überzeugen: Abel sucht dringend Investoren (Copyright: A24)

Alles läuft dabei allerdings sehr gesittet und in einem Wort langsam ab. Bei einer Laufzeit von knapp über zwei Stunden stellt dieses ruhige Erzähltempo eine echte Herausforderung an die Zuschauer dar. Obwohl der Film durchaus mit spannenden Momenten aufwarten kann, entscheidet sich J. C. Chandor für eine große Detailfülle, in der nicht alle Szenen die Story notwendigerweise vorantreiben. Nicht zuletzt schüren Trailer und Titel eine falsche Erwartung an den Film, der eben nicht eine Wiederauflage von Filmen à la Coppola darstellt, sondern bewusst mit den Genre-Regeln bricht. Und auch wenn spätestens seit The Sopranos New Jersey im Kopf des Zuschauers untrennbar mit der Mafia verbunden wird, ist Abel eigentlich weniger Mafioso als Kapitalist.

Und die Moral von der Geschicht‘ wissen wir nicht

So gesehen befindet sich der Film thematisch näher an Margin Call, Chandors Debüt aus 2011, ein minutiöses Porträt des Crashs einer fiktiven, an die Lehman Brothers angelehnten Bank. Doch während Margin Call schon allein über die Thematik Aktualität erhielt, erschließt sich die Daseinsberechtigung von A most violent Year nicht unmittelbar. Ist es eine Geschichte über das Durchhalten, eine über das Scheitern und des Akzeptierens der Realität, ist es Kapitalismus-Kritik oder Kapitalismus-Verherrlichung? Es ist angenehm, dass der Film dem Zuschauer keine Antworten auf dem Silbertablett präsentiert – aber so fehlen leider auch die Reibungspunkte, anhand derer sich eine eigene Position erst herausbilden kann.

Deutlich mehr als eine Sekretärin: Abels Frau Anna begegnet ihrem Mann auf Augenhöhe (Copyright: A24)

Filmisch und schauspielerisch ist der Film allerdings dennoch überzeugend und insbesondere das Lob für Jessica Chastain, deren Charakter Anna sich nicht mit der zweiten Reihe hinter ihrem Mann begnügen möchte, ist gerechtfertigt. Sieht man von dem langsamen Erzähltempo ab, kann man dem Film darüber hinaus auch seine Unaufgeregtheit, die so sehr mit modernen Hollywood-Erzählungen bricht, zugutehalten. Wer allerdings mit dem Gefühl der Zufriedenheit aus dem Kino gehen möchte, gerade etwas mit klarer Aussage gesehen zu haben, sollte sich A most violent Year allerdings eher sparen.

Der erste Shot. Schwarz-weiß, senkrecht von oben gefilmt, eine undefinierbare Substanz wird auf dem Tisch ausgebreitet und sorgfältig verteilt. Vince Gilligan zitiert sich selbst: Das Schwarz-weiß ist neu, doch filmisch und ästhetisch wirft einen der Shot sofort zurück zu der akribischen Crystal-Meth-Zubereitung von Walter White aus Breaking Bad. Doch hier wird kein Meth zubereitet, sondern ein Cinnabon, eine besonders abscheuliche US-Süßigkeit. Und hinter dem Tresen steht Saul Goodman. Durch die Schwarz-weiß-Zeichnung wird nicht sofort klar, ob es sich um einen Flashback oder einen Flashforward handelt, erst wenn Saul zuhause vor dem Fernseher sitzt und in Erinnerungen schwelgt, wird die Zeitebene klar.

Better Call Saul: Jimmy McGill im Gerichtssaal (Copyright: Ursula Coyote/AMC)

Ein Anwalt am Rande des Nervenzusammenbruchs

Nach einem 13-sekündigen Intro im Stil der 80er springen wir in die Gegenwart von Better Call Saul. Und schnell wird klar: Jimmy McGill (Sauls bürgerlicher Name) lebt den amerikanischen Alptraum. In einer Gesellschaft, die sich selbst immer wieder vorbetet, dass jeder alles werden kann, wenn er sich nur ausreichend anstrengt, haben diejenigen, die nichts haben, doppelt verloren. Bob Odenkirk spielt den Anwalt am Rande seiner Kräfte erschreckend überzeugend. Dass er mehr als seinen zweidimensionalen Charakter aus Breaking Bad spielen kann, hat Odenkirk bereits in Fargo unter Beweis gestellt, in Better Call Saul läuft er hingegen zur Höchstform auf. Bei einer Besprechung mit seinem Wunsch-Klienten in einem Café wird die innere Angespanntheit besonders deutlich – hier zeigt sich auch, dass sich die neue Serie sich nicht hinter Breaking Bad verstecken muss.

Als Public Defender verdient Jimmy nicht annähernd so viel wie er gerne wollte (Copyright: Ursula Coyote/AMC)

Bitte kein Breaking Bad!

Bedauerlicherweise tut das Spin-Off zumindest in der ersten Folge aber genau das. Statt komplett neu anzufangen, wartet am Ende der ersten Folge ein alter Bekannter aus Breaking Bad auf Jimmy McGill. Damit schränkt sich Vince Gilligan ein – wenn in der zweiten Folge keine Kehrwende kommt, wird der Handlungszeitraum von Better Call Saul trotz einer bereits im Voraus georderten zweiten Staffel überschaubar bleiben.

Aber Better Call Saul kann Breaking Bad nicht kopieren. Dafür ist es zumindest in der ersten Folge zu sehr auf Bob Odenkirk fokussiert. Es gibt praktisch keine Szene, in der er nicht vorkommt. Mit Mike (Jonathan Banks) aus Breaking Bad wird im vermutlich ein Sparring-Partner zur Seite gestellt – man darf nur hoffen, dass es vielleicht noch den ein oder anderen Nebencharakter geben wird, der das Solo-Spiel von Saul Goodman/Jimmy McGill unterbricht.

Chuck (Michael McKean) könnte eine größere Rolle bekommen – aber wollen wir das wirklich? (Copyright: Ursula Coyote/AMC)

Wir brauchen mehr

Abgesehen von dieser Kritik ist Better Call Saul sehenswert. Filmisch hält sich Vince Gilligan an den eher dunklen Stil aus Breaking Bad und der hohe Production Value zeigt, dass man dem Erfolgs-Creator bei dem Budget keine allzu engen Grenzen gesetzt hat. Hier und da wird die drückende Last auf McGills Schultern ein bisschen zu direkt dargestellt, aber das ist verzeihbar. Nicht verzeihbar wäre es allerdings, wenn man Better Call Saul zu einer reinen Vorgeschichte von Breaking Bad machen würde. Denn deren Ende kennen wir bereits, deshalb muss die Show für sich alleine stehen. Man darf also gespannt auf die zweite Folge sein – die gibt es zum Glück bereits heute Abend.

Zurück ins Rampenlicht

Riggan ist ein gealterter Schauspieler, der unbedingt zeigen möchte, was in ihm steckt. Dass er mehr ist als der ‚Birdman‘, für den er auch Jahrzehnte nach Erscheinen des Films noch gefeiert wird. Dafür setzt er alles auf eine Karte – seine Ersparnisse, seinen Ruf, seine Familie und sogar sein Verstand scheint auf dem Spiel zu stehen. Denn während Riggan an seiner Performance arbeitet, flüstert ihm eine verräterische Stimme unablässig ins Ohr: Du kannst jederzeit zum Film zurück. Das ist es, was die Menschen lieben. Du kannst wieder der Größte sein.

Doch – auch welchen Gründen auch immer – Riggan möchte es am Broadway schaffen. Nicht zurück zum Film, echte Kunst muss es sein. Dank eines Unfalls auf der Bühne, der seinen unfähigen Sparring-Partner aus dem Ring befördert, kommt mit Mike ein Theater-Schauspieler auf dem Weg zum Broadway-Olymp in die Company. Und macht sich gleich daran das fragile Gebäude aus Hoffnung und Fantasie, in dem sich Riggan befindet, zum Einsturz zu bringen.

Keaton, Norton und Stone sind das Herz von Birdman

Wie biografisch Birdman wirklich ist, darüber darf spekuliert werden. Dass es zwischen dem Ex-Batman-Darsteller Michael Keaton und dem Ex-Birdman-Darsteller Riggan Ähnlichkeiten gibt, steht dabei völlig außer Frage. Das lässt Keatons hervorragendes Spiel besonders realistisch wirken. Übertrumpft wird er dabei von Edward Norton in der Rolle des Mike. Norton – der auch im realen Leben für sein Method Acting bekannt ist – verleiht dem Charakter des erfolgshungrigen Künstlertypen, der nicht recht zwischen Bühne und Leben unterscheiden kann, Leben und Tiefgang und ist völlig zu Recht für den Oscar als bester Nebendarsteller nominiert. Ebenfalls nominiert ist Emma Stone, die ihre spärlich bemessenen Auftritte gut zu nutzen weiß, aber letztlich neben Keaton und Norton untergeht. Eine überraschend stabile schauspielerische Leistung liefert Zach Galifianakis als Riggans Manager ab.

Die verräterische Stimme des „Birdman“ in Riggans Ohr (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

Jede Menge Theater

Neben einem guten Soundtrack beeindruckt der Film vor allem mit der Schnitttechnik. Über 119 Minuten gibt es nicht einen sichtbaren Cut, alle Schnitte sind digital so versteckt worden, dass man sie praktisch nicht wahrnehmen kann. Das verleiht dem Film einen seltsamen Fluss, einen fast traumartigen Charakter, bei dem alle Szenen und Räume nahtlos ineinanderfließen. Dass der Film tatsächlich an ganz unterschiedlichen Sets gedreht wurde, ist kaum mehr wahrnehmbar. Doch die relative Geschlossenheit des Raums ist nicht das Einzige, was Birdman von Theater übernommen hat. Der Handlungszeitraum bleibt sehr überschaubar und es gibt vergleichsweise selten das typische Frage-Antwort-Spiel, stattdessen haben die Schauspieler häufig längere Monologe. Insgesamt wirkt Birdman wie eine filmgewordene Theaterinszenierung – über eine Theaterinszenierung.

Riggan und Mike geraten im Verlauf des Films immer mehr aneinander (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

Keatons Biografie, ein Film-Theater über ein Broadway-Theater, der Wettstreit zwischen Kino und Bühne – Birdman ist zutiefst selbstreflexiv. So sehr, dass man es irgendwann leid wird. Eine Story, die über sich selbst hinausweist, ist nur bruchstückhaft und mit viel Liebe zu erkennen. Was für sich genommen nicht weiter schlimm ist, bei einer Laufzeit von zwei Stunden und so vielen visuellen Effekten, die den Zuschauer förmlich anschreien: „Du sitzt gerade im Kino!“, strapaziert es irgendwann die Nerven.

Drei Oscars in Reichweite

Für den Best-Picture-Award reicht es dementsprechend vermutlich (und fast möchte man sagen: hoffentlich) nicht. Gute Chancen auf den Oscar für den Besten Hauptdarsteller darf sich Michael Keaton zwar machen, aber die Konkurrenz ist nicht ohne. Kaum nachvollziehbar ist die Entscheidung, Antonio Sánchez nicht für seine Musik zu nominieren, die wesentlichen Einfluss auf den Charakter des Films hat. Glücklicherweise nominiert und mit ganz guten Karten steht Edward Norton da – wenn Boyhood nicht gerade zum Abräumer des Abends wird, sollte der Oscar für den Besten Nebendarsteller drin sein. Seine Leistung, der experimentelle Charakter des Films und natürlich nicht zuletzt das Comeback von Michael Keaton machen den Film sehenswert – einmal sehen reicht aber vermutlich den meisten.

Irgendwann verschwimmt die Grenze zwischen Traum und Wirklichkeit (Copyright: FOX Searchlight Pictures)

The Imitation Game erzählt die Geschichte des ebenso genialen wie sozial inkompetenten Mathe-Professors Alan Turing, der während des 2. Weltkriegs einen der ersten Computer entwirft, um die als unknackbar geltende Verschlüsselungsmaschine ENIGMA der Nazis entschlüsseln zu können. In einer Zeit, in der die Geheimdienste der Welt entweder bereits alle Kommunikation abhören oder es zumindest gerne wollen also ein durchaus aktuelles Thema. Doch dankenswerterweise haben die Drehbuchautoren darauf verzichtet, diesen Spin aufzugreifen und liefern stattdessen ein beeindruckendes Biopic mit historischem Kontext ab, in dessen Mittelpunkt nicht der Mathematiker und Kryptograf, sondern der Mensch Turing steht.

Auf den Spuren Alan Turings

So spielt sich die Haupthandlung des Films zwar im Bletchley Park ab, in dem Turing mit einem Team von Mathematikern und Linguisten versucht, den ENIGMA-Code zu brechen, dieser Plot wird allerdings immer wieder durch Flashbacks und Flashforwards zum deutlich jüngeren bzw. etwas älteren Turing unterbrochen. Regisseur Morten Tyldum und Editor William Goldenberg (beide Oscar-nominiert) weben diese Zeitsprünge aber gekonnt in die Handlung ein, so dass während Turing beginnt, der Nazi-Verschlüsselung Schritt für Schritt auf die Spuren zu kommen, der Zuschauer den Filmhelden Stück für Stück besser kennen und verstehen lernt.

Alan Turing (Benedict Cumberbatch) hadert mit sozialen Beziehungen (Copyright: The Weinstein Company)

Der schwule Turing hadert nicht nur mit der Teufelsmaschine der Nazis, sondern auch mit der eigenen Identität. In einer Zeit, in der Homosexualität in Großbritannien unter Strafe steht, versucht der ohnehin von der Welt sozialer Beziehungen überforderte Protagonist, seinen eigenen Weg zu finden. Zur Seite steht ihm dabei in der Realität wie im Film die Kryptografin Joan Clarke (Keira Knightley), die ebenfalls an der Entschlüsselung der ENIGMA-Maschine arbeitet, doch unter dem immer größer werdenden Berg an Geheimnissen droht der so schon eher fragile Turing zu zerbrechen.

Grautöne statt Schwarz und Weiß

Durch die Betrachtung über die rein mathematisch-logische Arbeit Turings hinaus vermeidet der Film das typische schwarz-weiß-Modell von Kriegsfilmen und zeigt stattdessen viele Grautöne, die letztlich auch den Reiz an The Imitation Game ausmachen. Die wirklich wichtigen Fragen des Films stellen sich dementsprechend auf der Meta-Ebene, und es sind Fragen über die menschliche Natur, über den Umgang mit dem Andersartigen und über die Freiheit, sein Leben selbstbestimmt leben zu können.

Keira Knightley sieht neben Benedict Cumberbatch eher blass aus (Copyright: The Weinstein Company)

Cumberbatch beeindruckt, Knightley weniger

Benedict Cumberbatch brilliert dabei in der Rolle des Alan Turing. So logisch seine Besetzung nach den Rollen als Quasi-Asperger-Sherlock-Holmes und des hyperintelligenten Khan aus Star Trek erscheint, so groß war auch die Gefahr, eine reine Wiederholung bereits Bekannten zu schaffen. Doch Cumberbatch überrascht mit einer großartigen Leistung, bei der er nicht in alte Muster zurückfällt, sondern sowohl dem Mathematiker Turing als auch dem Menschen eine eigene Note verleiht, die ihn trotz oder gerade wegen seiner Andersartigkeit als Identifikationsfigur für den Zuschauer prädestiniert. Anders verhält es sich leider bei Keira Knightley, die als Freundin und Mitarbeiterin des Genies eher eine durchschnittliche Leistung abliefert und in ihrer ewigen Rolle als das liebe (und schöne) Mädchen von nebenan verhaftet bleibt. Die zahlreichen Nebenrollen sind gut besetzt, bleiben aber eher flach – was aber weniger den Schauspielern als der Fokussierung auf Turing und Clarke geschuldet ist.

Teils gut besetzte Nebenrollen (hier Mark Strong als MI6-Chef) bleiben eher flach (Copyright: The Weinstein Company)

Mit dem Oscar wird es schwierig

Mit The Imitation Game ist dem norwegischen Regisseur Morten Tyldum (zuvor allenfalls durch Jo Nesbø’s Headhunters bekannt) ein großer Wurf gelungen, der zu Recht für den Oscar nominiert wurde. Auch Benedict Cumberbatch hätte die Auszeichnung verdient, hat aber mit Michael Keaton in der Oscar-Logik, die gerne Filme über das Showbiz und verdiente Schauspieler belohnt, und mit dem sympathischen Eddie Redmayne aus Die Entdeckung der Unendlichkeit starke Konkurrenz. Gute Chance dagegen kann sich Alexandre Desplat ausrechnen, der sowohl für seinen Soundtrack zu The Imitation Game als auch für Grand Budapest Hotel nominiert wurde. Unabhängig von der Entscheidung der Academy ist The Imitation Game aber ein sehr sehenswerter Film – wer es noch nicht getan hat, sollte das also unbedingt nachholen!

Dank Benedict Cumberbatch und einem guten Team hinter der Kamera lohnt sich der Film (Copyright: The Weinstein Company)

Baymax ist so naiv wie liebenswert (Copyright: Disney)

Um eines mal vorweg zu nehmen: Wer auch immer bei Disney Deutschland für die Namensgebung verantwortlich ist, gehört gekidnappt, gefesselt und für den Rest seines Lebens mit Rolf-Zuckowski-Liedern beschallt. Während den Originaltitel von Rapunzel – Neu verföhnt (Tangled) in Deutschland vielleicht wirklich niemand verstanden hätte, ist die Übersetzung von Frozen mit Die Eiskönigin – Völlig unverfroren allenfalls noch sprachlicher Unfug. Aber Big Hero 6 mit dem Wortungeheuer Baymax – Riesiges Robowabohu zu übersetzen, ist schlichtweg geschäftsschädigend.

Rückt Disney von seiner Arbeitsteilung ab?

Doch wenn nichts anderes, zeigt die (deutsche) Namensgebung die Arbeitsteilung, die im Hause Disney anscheinend nach wie vor herrscht: Pixar darf Filme für Erwachsene machen, Disney Animation Studios macht Filme für Kinder. Allerdings nähern sich die Animation Studios immer weiter an den „höherwertigen“ großen Bruder Pixar an, was nicht zuletzt daran zu erkennen ist, dass Ralph Reicht’s und Frozen in guter Pixar-Manier Vorfilme verpasst bekommen haben (von denen Paperman sogar einen Oscar gewonnen hat).

Baymax setzt diese Entwicklung fort und steigt für einen sogenannten Kinderfilm ziemlich knallhart ein: Der große Bruder des Protagonisten Hiro kommt bei einer Explosion im Roboterlabor der San Frantokyo Universität ums Leben. Damit reiht sich der Film ein in Disney-Klassiker wie König der Löwen oder Bambi, die ebenfalls durch den frühen Verlust einer Vaterfigur geprägt sind. Hiro jedenfalls wird aus der Bahn geworfen – nur der zuvor von seinem großen Bruder als medizinischer Assistent programmierte Baymax kann ihn davon abhalten, völlig in der Einsamkeit zu versinken. Er macht sich auf die Suche nach dem Schuldigen für den Tod seines Bruders.

Viele Vorbilder, wenig Neues

Ein vergleichsweise klassischer Aufbau, der dem Zuschauer als eine Mischung aus Wallace und Gromit, Die Unglaublichen und WALL-E präsentiert wird. Wie bei WALL-E steht ein eher unbeholfen wirkender Roboter im Zentrum der Handlung, dessen große Naivität eigentlich nur noch von einem noch größeren Herzen übertroffen wird. Von Wallace und Gromit leiht sich der Protagonist Hiro einen unbändigen Erfindergeist und die Fähigkeit, innerhalb weniger Minuten Großartiges zu schaffen, aus. Und von den Unglaublichen letztlich kommt die Vorlage für ein Team unterschiedlichster Charaktere, die am Ende doch gemeinsam stark sein können.

Baymax macht starke Anleihen bei Iron Man (Copyright: Disney)

Also alles schon dagewesen und abgeguckt? Tatsächlich hat Baymax nicht wirklich viel Neues zu bieten. Trotzdem schaffen es die Köpfe hinter Baymax durchaus, eigene Akzente zu setzen. Hier und da klingt beispielsweise ein bisschen Science-Fiction durch. Wie bei den Erfindungen von Hiro: Herrschte bei Wallace und Gromit noch ein gewisser Steam-Punk-Charme, schmeißt Hiro bei seinen Geistesblitzen den 3D-Drucker an. Und wenn mit „San Frantokyo“ einfach mal zwei Großstädte fusionieren, die immerhin der gesamte Pazifische Ozean trennt, erkennt man ein gewisses Augenzwinkern bei der Sache. Dennoch bleibt der Film insgesamt sehr durchschaubar und zielt eindeutig auf ein jüngeres Publikum ab. Womit er letztlich weit hinter intelligenteren Pixar-Streifen wie WALL-E oder Oben zurückbleibt – und ihm im Gegensatz zu Ratatouille schlicht das Novum fehlt.

Dennoch: Gut abgekupfert ist besser als schlecht neu gemacht. Außerdem besticht der gutmütige Baymax und hier und da finden sich echte Lacher. Eine flotte Handlung sorgt dafür, dass sich zumindest Animations-Fans nicht langweilen, und so kommt der Film insgesamt bei mir auf 7,6 Punkte.

Erstlingswerk auf Nummer Sicher

Natürlich kommt es, wie es kommen muss: Vincent fängt an, Oliver gegenüber aufzutauen und beginnt, dem Jungen seine Version des echten Lebens näher zu bringen, nicht zuletzt weil dessen Mutter neben Stress im neuen Job und Scheidungskrieg keine Zeit für ihren Sprössling hat. Für seinen ersten abendfüllenden Film lehnt sich Regisseur und Drehbuchautor Theodore Melfi Plot-mäßig nicht einmal geringfügig aus dem Fenster. Der Film bleibt bis zur letzten Minute vorhersehbar und schafft es auf der Story-Ebene an keiner Stelle, eigene Akzente zu setzen.

Willkommen in Vincents Leben (Copyright: The Weinstein Company)

Zwei Jungs erleben ein Abenteuer

Das man sich den Film dennoch ansehen kann, liegt an seiner Leichtigkeit, die auch sich auch in der schauspielerischen Leistung wiederfindet. Bill Murray wird mit der Rolle von Vincent nicht gerade an seine Leistungsgrenze gebracht, spielt den zynischen und vom Leben geschlagenen Altsemester mit Backstorywound aber mit einer leichten Eleganz, die beim Zusehen Spaß macht. Meilenweit von einem Charakter wie dem wirklich zerrütteten Jack Nicholson in As Good as it Gets entfernt, ist hinter der Maske des granteligen Nachbarn immer die verschmitzte Psyche eines kleinen Jungens erkennbar, die seine Nähe zu Oliver (Jaeden Lieberher) glaubwürdig macht. Lieberher spielt seine Rolle zwar überzeugend, wird aber vom Regisseur auch nicht ernsthaft gefordert.

Naomi Watts in der Rolle von Stripperin Daka steht Vincent zur Seite (Copyright: The Weinstein Company)

Nette Nebenrollen ohne Charaktertiefe

Man kann an dem Film eine gewisse Zweidimensionalität ausnahmslos aller Akteure vorwerfen (selbst die Wandlung Vincents bleibt eher oberflächlich) oder einfach akzeptieren, dass eine Komödie nicht notwendigerweise in psychologische Tiefenspiele hinabsteigen muss. So spielt Naomi Watts die Rolle der schwangeren Tänzerin-Slash-Prostituierten Daka zwar technisch gut, aber auch ohne echte charakterliche Einblicke. Allenfalls Melissa McCarthy (Gilmore Girls, Identity Thief) geht hier und da ein wenig tiefer, bleibt aber letztlich auch ohne die anscheinend vom Regisseur nicht so gewollte Tiefenschärfe. Eine nette Nebenrolle hat Chris O’Dowd (Brides Maids) als katholischer Religionslehrer.

Bill Murray trägt den Film mit beeindruckender Leichtigkeit (Copyright: The Weinstein Company)

Der Bill Murray-Bonus

St. Vincent ist ein Film für Bill Murray-Fans, für Freunde des Feel-Good-Films, die sich nicht daran stören, wenn ein Plot zum x-ten Mal wiederaufgewärmt wird. Die Rolle von Vincent ist Bill Murray auf den Leib geschneidert und er spielt sie mit perfektem Timing – an vielen Stellen des Films kann man trotz der Vorhersehbarkeit herzlich lachen. Der Film zelebriert eine Skurrilität, die Bill Murray in die Karten spielt und allein für seinen Anblick mit überdimensionierter Sonnenbrille im Gartenstuhl liegend lohnt sich ein Besuch. Derartige Bilder und ein recht guter Soundtrack machen den schwachen Plot zumindest teilweise wieder wett. Der Film zeigt keine Geschichte, wie sie das Leben schreibt, sondern eine, wie man sich das Leben wünscht – und das hat irgendwo ja auch seinen Wert.

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